Рубрикатор
Концепция I Визуальный тон: Европа накануне модных революций II Художественный язык русских сезонов: ключевые постановки и их визуальные особенности III Отражение идей в европейских домах моды -Поль Пуаре -Коко Шанель -Ив Сен-Лоран -Диор Заключение Источники
Концепция
Начало XX века в Европе было периодом переоценки и переосмысления различных областей искусства таких как мода, живопись, сценография и прочее. К концу XIX века и началу XX века элементы академического искусства все еще сохранялись, в первую очередь в моде. Сложные силуэты, корсеты и декоративная перегруженность не теряли свою актуальность на протяжении долгого времени. Однако к началу столетия европейская мода уже находилась в ожидании перемен — новых выражений, новых стилей и движений, нового понимания красоты. Именно в этот момент в Париж приезжает труппа Сергея Дягилева с революционным культурологическим проектом «Русские сезоны», который бросил вызов традиционному театру и балету и изменил всю визуальную идентичность эпохи.
«Русские сезоны» были задуманы как проект, позволяющий представить европейской публике творчество ведущих русских артистов, художников, музыкантов и танцовщиков. Дягилев стремился к тому, чтобы «Русские сезоны» стали своеобразным окном в мир культуры и искусства России, ее неповторимой атмосферы и духа.
«Русские сезоны» стали для Европы открытием искусства, в котором воедино соединялись такие аспекты как живопись, музыка, танец, сценография и костюм. Постановки труппы Дягилева воспринимались современниками с одной стороны как нечто чрезвычайно скандальное, недопустимое для того времени, а с другой — как принципиально новое явление: яркое, свободное, чувственное и необычайно выразительное. Русский балет открыл для всей Европы новый художественный мир: мир ярких красок, восточных мотивов и пластичности, а также потрясающее мастерство смело творить и удивлять. Именно этот визуальный язык оказался одним из важнейших источников вдохновения для европейской моды на протяжении всего XX века.
Пока консерваторы во главе с Михаилом Фокиным отстаивали классические каноны, Дягилев сделал ставку на модернистов, приглашая Штрауса и бросая вызов традициям. Этот момент стал точкой невозврата — отныне русское искусство говорило с Европой на языке авангарда.
Сергей Дягилев был не только организатором «Русских сезонов», но и их идеологом и идейным вдохновителем. Он видел в своем творении не просто гастроли, а возможность представить Западу новый образ России, освободиться от стереотипов и по-настоящему шокировать публику. Забегая вперед, можно с уверенностью сказать, что у него это получилось. Дягилев, будучи ярким представителем Серебряного века, стремился создать искусство, освобожденное от традиций и ограничений, синтезирующее разные жанры и направления. Он верил в силу искусства объединять людей, открывать новые горизонты, переосмыслять и создавать новые традиции.
Русские сезоны были созданием Дягилева и его сподвижников. Ничего подобного никогда не существовало в практике балетного театра, и именно Дягилеву мы обязаны теперешним развитием хореографического искусства и тому всеобщему восторгу, которое оно вызывает во всём мире. Я бы даже сказал, подтверждая сказанное, что до настоящего времени дягилевский репертуар остаётся основой большинства балетных трупп, которые с успехом его исполняют.
Ключевую роль в эстетике «Русских сезонов» сыграло визуальное и стилистическое оформление спектаклей. Художники, работавшие с Дягилевым, — прежде всего Леон Бакст и Александр Бенуа — создали совершенно новый подход к сценическому костюму, декорациям и всему оформлению представлений в целом. Отличительной особенностью их работ в первую очередь являлось обращение к Востоку, русскому фольклору и античности, экзотическая и насыщенная палитра и орнаментальность. Благодаря таким художникам, костюмы и декорации русских балетов превратились из фонового дополнения к артистам в самостоятельные художественные объекты, продолжение танца и пластики.
Такие ключевые постановки как «Шехеразада», «Жар-птица», «Петрушка» и другие спектакли поражали европейскую публику не только хореографией, но и своей визуальной экспрессией. Экзотические ткани, свободные силуэты, тюрбаны, вышивки, яркие сочетания цветов и сложные декоративные элементы с каждым появлением на сцене все больше и больше покоряли и вдохновляли европейских зрителей. Постепенно театральный образ становился частью повседневной эстетики эпохи. А сами балеты тем временем продолжали вызывать шквал разных эмоций, в том числе и негодование из-за своей необычности и радикальности.
Цель этого визуального исследования — изучить основные компоненты художественного стиля «Русских сезонов» и сопоставить их с модными тенденциями XX века и с творениями известных модельеров той эпохи, а также изучить социальные, культурные и исторические предпосылки, способствовавшие внедрению стиля ар деко в сферу моды. Я выбрал эту тему исследования из-за личного интереса к творчеству Сергея Дягилева, его труппы и всех людей работавших с ними, а также к творчеству тех, кто в последствии вдохновлялся этим.
При выборе материалов для визуального исследования я учитывала, как часто они появляются в массовой культуре, детали, которые они дают о работе, надежность источника, визуальный компонент и качество изображения. Сравнивая материалы с творениями модельеров и художников, я анализировала сходства между элементами, цветами, узорами и формами в различных работах дизайнеров и художников, а также исследовала исторические данные о влиянии эскизов дизайна на художников. При выборе текстовых источников я ориентировалась на их достоверность и влияние в художественном сообществе, их актуальность и соответствие информации целям моего визуального исследования.
Визуальное исследование структурировано по трем главам. Такой способ рубрикации является наиболее подходящим и соответствующим теме исследования.
Как и каким образом «Русские сезоны» Сергея Дягилева покорили Европу и повлияли на ее модные тенденции в XX веке?
I Визуальный тон: Европа накануне модных революций
Мода Европы конца XIX-начала XX века — это период перехода от строгой, перегруженной декоративности к постепенному освобождению силуэта и появлению более свободных форм. В целом для этого периода был характерен такой элемент в женском образе как «Песочные часы», подразумевающий под собой очень узкую талию, корсет (как раз для создания такого эффекта), пышную грудь и бедра и длинную юбку. Корсет являлся обязательным и формировал неестественную осанку. Также популярными элементами одежды того времени являлись высокие воротники, длинные рукава, сложная отделка и тяжелые ткани.
Обложки журнала «Vogue»: октябрь 1900 г.; март 1903 г.; июль 1903 г.; январь 1905 г.
Фрагменты журнала «Модный курьер», 1908 г.
Появление «Русских сезонов» Сергея Дягилева в Париже в 1909 году произвело эффект настоящей культурной сенсации. Своими яркими цветами и выразительным тоном этот новый художественный язык бросил вызов сдержанным традициям балета конца XIX века и был по сути экзотическим и эмоциональным по сравнению с обычным академическим балетом к которому уже давно привыкла французской публика. Общество было одновременно в восторге и в шоке. Парижская элита — художники, аристократы, модельеры, писатели — буквально «заболела» русским искусством. Газеты во всю трубили о необыкновенной энергии русской труппы, а зрителей поражали не только танцы, но и сама атмосфера спектаклей: насыщенные цвета декораций, восточные мотивы, пластика танцоров, музыка и костюмы.
Афиши к балетам 1 — Уильям Погани, 1911 г. 2 — Валентин Гросс-Гюго, 1914 г. 3 — Жан Кокто, 1911 г. 4 — Леон Бакст, 1911 г. 5 — Леон Бакст 1912 г. 6 — Жан Кокто, 1911 г.
II Художественный язык русских сезонов: ключевые постановки и их визуальные особенности
Шахерезада
Первая постановка балета «Шахерезада» стала одной из самых громких премьер «Русских сезонов» и настоящей сенсацией для Европы начала XX века. Премьера состоялась 4 июня 1910 года в парижской Гранд-опера. Постановку создал хореограф Михаил Фокин. Балет был поставлен по мотивам арабских сказок «Тысяча и одна ночь». Действие происходит в гареме восточного султана. Пока шах уезжает на охоту, его жёны и наложницы нарушают запрет и устраивают тайный праздник с рабами. Главная героиня — Зобеида — влюбляется в Золотого раба. Когда шах неожиданно возвращается, он приказывает убить всех. В финале Зобеида кончает жизнь самоубийством.
Эскиз декора к балету «Шахерезада», Леон Бакст, 1911 г.
Эскизы костюмов к балету «Шахерезада», Леон Бакст, 1911 г.
Эскизы костюмов к балету «Шахерезада», Леон Бакст, 1911 г.
Основные характерные черты балета «Шахерезада»: -яркие насыщенные цвета — оранжевый, изумрудный, золотой, сапфировый; -огромное количество орнаментов и вышивки; -полупрозрачные ткани, тюрбаны, шаровары, драгоценности; -экзотические восточные мотивы.
Танцоры балета «Шахерезада» 1 — Вацлав Нижинский в роли Золотого раба, 1910 г. 2, 3 — Михаил Фокин в роли Золотого раба, Вера Фокина в роли Зобеиды, 1914 г.
Танцоры балета «Шахерезада» 1 — Тамара Карсавина в роли Зобеиды, 1910 г. 2 — Вера Фокина в роли Зобеиды, 1914 г.
Жар-птица
Премьера состоялась 25 июня 1910 года в парижском театре Гранд-опера. Музыку написал молодой тогда композитор Игорь Стравинский — именно после «Жар-птицы» он стал всемирно известен. Балет был создан по мотивам русских народных сказок: истории о Жар-птице, царевиче Иване, Кощее Бессмертном и волшебном саде.
Эскиз декора к балету «Жар-птица», Владимир Плешаков, 1910 г.
Эскизы костюмов к балету «Жар-птица» 1 — Леон Бакст, 1910 г. 2 — Леон Бакст, 1922 г. 3,4 — Александр Головин, 1921 г.
Костюмы сочетали элементы древнерусского орнамента, восточной декоративности и модерна. Сцена была наполнена насыщенными цветами — золотом, красным, синим, изумрудным. Для постановки были характерны: -насыщенные контрастные цвета -золото и металлический блеск -сложные орнаменты -многослойные ткани -декоративная перегруженность сцены.
Успех «Жар-птицы» закрепил репутацию труппы Дягилева как главного художественного явления Парижа начала XX века и подготовил почву для следующих знаменитых балетов.
Танцоры балета «Жар-птица» 1 — Тамара Карсавина в роли Жар-Птицы и Адольф Больм в роли Иван-Царевича, 1910 г. 2 — Вера Фокина в роли Жар-Птицы и Михаил Фокин в роли Иван-Царевича, 1919 г.
1 — Тамара Карсавина в роли Жар-птицы, 1910 г. 2 — Вера Фокина в роли Жар-птицы, 1919 г.
Петрушка
Первая постановка балета Петрушка стала одной из самых ярких премьер «Русских сезонов». Балет был поставлен в 1911 году в парижском театре Шатле. Музыку написал Игорь Стравинский, хореографию создал Михаил Фокин, а оформление выполнил художник Александр Бенуа. Главную роль исполнил легендарный танцовщик Вацлав Нижинский.
1 — Эскиз афиши для балета «Петрушка», Александр Бенуа, 1948 г. 2 — Эскиз занавеса для балета «Петрушка», Александр Бенуа, 1911 г.
Эскизы декораций к балету «Петрушка», Александр Бенуа, 1911 г.
Эскизы декораций к балету «Петрушка», Александр Бенуа, 1911 г.
Балет переносил зрителя на шумную масленичную ярмарку в Петербурге 1830-х годов. Вместо привычных сказочных или античных сюжетов зрители увидели живую городскую толпу, балаганы, карусели, уличных артистов и народные гуляния. Главными героями были три куклы — Петрушка, Балерина и Арап, оживлённые Фокусником.
Сюжет строился вокруг трагической судьбы Петрушки — смешной ярмарочной куклы, способной чувствовать любовь, ревность и страдание. В финале Петрушка погибал от руки Арапа, но затем его призрак снова появлялся над балаганом, создавая ощущение мистики и трагической неразрешённости.
Эскизы костюмов к балету «Петрушка», Александр Бенуа, 1911 г.
Эскизы костюмов к балету «Петрушка», Александр Бенуа, 1911 г.
Декорации Бенуа были вдохновлены старым Петербургом и народным искусством. Сцена выглядела как ожившая картина русской ярмарки. Постановка произвела сильное впечатление на Париж своей подчеркнуто русской атмосферой.
Основные детали постановки: -народные костюмы -масленичные гуляния -ярмарочные вывески -фольклорные мотивы -шум толпы и уличная энергия.
Танцоры балета «Петрушка», 1911 г. 1 — Тамара Карсавина в роли Куклы-Балерины 2 — Вацлав Нижинский в роли Петрушки 3 — Тамара Карсавина и Вацлав Нижинский 4 — Тамара Карсавина
Павильон Армиды
Балет был впервые поставлен в 1907 году в Мариинском театре, а затем показан в 1909 году в Театр Шатле в рамках первых «Русских сезонов» в Париже.
Эскизы декораций к балету «Павильон Армиды», Александр Бенуа, 1909 г.
Действие происходит во Франции XVIII века. Молодой виконт оказывается в старинном замке, где оживает изображённая на гобелене волшебница Армида. Герой переносится в фантастический мир роскоши, сна и соблазна, где граница между реальностью и видением постепенно исчезает.
Балет строился не столько на сложной драматургии, сколько на создании декоративной, мистической атмосферы. Фокин стремился объединить танец, музыку и оформление в единое художественное впечатление — это было принципиально новым для европейского балета того времени.
Эскизы костюмов к балету «Павильон Армиды», Александр Бенуа, 1909 г.
Эскизы костюмов к балету «Павильон Армиды», Александр Бенуа, 1907 г.
Говоря о стилистических особенностях постановки, стоит отметить декорации и костюмы, созданные Александром Бенуа. Они были выполнены в духе рококо и стилизованы под французское искусство XVIII века: -пастельные тона -золото -изысканные ткани -сложные орнаменты -атмосфера старинного дворца.
Танцоры балета «Павильон Армиды» 1 — Вацлав Нижинский в роли Раба Армиды, 1909 г. 2 — Анна Павлова в роли Армиды и Вацлав Нижинский в роли Раба Армиды, 1907 г.
Танцоры балета «Павильон Армиды» 1 — Вацлав Нижинский в роли Раба Армиды, 1909 г. 2 — Анна Павлова в роли Армиды и Вацлав Нижинский в роли Раба Армиды, 1907 г.
Синий бог
Первая постановка балета «Синий бог» была представлена в рамках «Русских сезонов» в Париже в 1912 году. Премьера состоялась в театре Шатле и стала одной из самых экзотических и декоративных постановок дягилевской антрепризы.
«Синий бог» создавался как ориенталистский спектакль, вдохновлённый европейским увлечением Индией и Востоком начала XX века. Балет сочетал роскошную сценографию, яркие костюмы и мистическую атмосферу. Однако, в отличие от «Шахерезады» или «Жар-птицы», постановка не имела большого успеха у публики и критиков.
Эскизы декораций к балету «Синий бог», Леон Бакст, 1911 г.
Действие происходит в фантастической Индии. Молодую девушку хотят отдать в храм, но её возлюбленный пытается спасти её. В кульминации появляется таинственный Синий бог — божество, спускающееся с небес и благословляющее влюблённых.
Эскизы костюмов к балету «Синий бог», Леон Бакст, 1911 г.
Стилистические особенности и особенности костюмов: -насыщенность синими, золотыми, бирюзовыми и оранжевыми цветами -сложные орнаменты -большое количество украшений, вышивки и драгоценных деталей -сочетание восточных мотивов с модерном.
Образ Синего бога стал одним из самых узнаваемых сценических образов эпохи. Тело исполнителя покрывалось синей краской, а костюм напоминал изображения индуистских божеств.
Танцоры балета «Синий бог», Тамара Карсавина в роли молодой девушки и Макс Фроман в роли молодого мужчины, 1912 г.
Танцоры балета «Синий бог», 1912 г. 1 — Вацлав Нижинский роли Синего бога 2 — Тамара Карсавина в роли молодой девушки
III Отражение идей в европейских домах моды
Поль Пуаре
Стиль ар деко вошел в моду благодаря Полю Пуаре, одному из самых влиятельных парижских кутюрье начала ХХ века. Будучи одновременно знатоком искусства и предпринимателем, Пуаре сотрудничал с художниками и дизайнерами, стремясь быть не столько кутюрье, сколько арт-директором.
Летом 1911 года модельер Поль Пуаре устроил в своем особняке в Париже бал. Название отсылало к сказкам «Тысячи и одной ночи»: Пуаре хотел создать ощущение восточной фантазии, театрального сна и полного погружения в экзотический мир. Бал «Тысяча вторая ночь» стал одним из самых ярких событий парижской культурной жизни начала XX века и одновременно символом того, насколько сильно «Русские сезоны» повлияли на европейскую моду, вкус и представления о роскоши.
1 — Фото гостей на костюмированном балу «1002-я ночь», сад особняка Поля Пуаре в Париже, 1911 г. 2 — Поль Пуаре и Дениз Пуаре на балу «1002-я ночь»
Главным потрясением для Парижа стал балет «Шахерезада». Он же в больше остальных повлиял на Поля Пуаре и побудил его на проведение своего легендарного бала. Все гости бала могли появиться только в восточных костюмах, а сам Пуаре появился в образе султана. Его жена Дениз Пуаре была одета как одалиска в полупрозрачных шароварах и тюрбане. Дом был превращён в «персидский дворец» с шатрами, коврами, фонарями, ароматами благовоний и музыкой. На празднике также были танцовщицы, экзотические птицы, восточные сладости и театрализованные сцены.
1 — Маскарадные костюмы, Поль Пуаре, 1911 г., из коллекции Киотского института костюма 2 — Маскарадный костюм, Поль Пуаре, 1911 г., из коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке
Под влиянием сценических костюмов «Русских сезонов» Пуаре начал создавать свободно падающие ткани, прямые линии, драпировки и экзотические силуэты. Он был одним из первых крупных кутюрье, который отказался от корсета как обязательной основы женского костюма.
1 — Платье «Сорбет», Поль Пуаре, 1913 г., из коллекции Метрополитен-музея в Нью-Йорке 2 — Платье «Сорбет», Поль Пуаре, 1913 г., из коллекции Чикагского исторического музея
Коко Шанель
Ключевым проводником русского влияния для Коко Шанель стал её любовник Великий князь Дмитрий Павлович (внук Александра II, бежавший после убийства Распутина). Именно через него в 1920 году Шанель открыла для себя эстетику русских народных костюмов. Самым прагматичным результатом союза стало создание дома вышивки Kitmir. Через Дмитрия Шанель познакомилась с его сестрой, Великой княгиней Марией Павловной.
В 1922 году Мария и Шанель подписали эксклюзивный контракт: Kitmir стала поставщиком вышивки для сезонных коллекций Chanel. В том же году Шанель выпустила русскую коллекцию, в которой использовались традиционные элементы одежды (валуз, пелесса, рубаша) с вышивкой Kitmir.
Вышивки Kitmir отличались фантазией и были вдохновлены славянским миром, а также Персией, Китаем и Египтом в экзотическом и космополитичном духе того времени. Мастерская выполняла ручную и машинную вышивку бисером, стеклярусом, стразами и блёстками.
Эскизы модных ансамблей от Chanel, вдохновленные русской культурой, 1920 г. Опубликовано в Vogue, 1923 г.
1 — Вечернее платье, вышивка мастерской «Kitmir», 1922 г. 2 — Винтажная туника из чёрного шёлка, вышивка мастерской «Kitmir», 1922 г. 3 — Вечернее платье, вышивка мастерской «Kitmir», 1922 г.
Балет «Голубой экспресс» стал одним из самых ярких примеров сотрудничества мира высокой моды и театра 1920-х годов. «Голубой экспресс» был поставлен в 1924 году для «Русских сезонов», а костюмы для спектакля создала Коко Шанель.
Танцоры балета «Голубой экспресс» в костюмах, созданных Коко Шанель, 1924 г. 1 — Лидия Соколова, Антон Долин, Леон Войциховский, Бронислава Нижинская, Жан Кокто 2 — Бронислава Нижинская и Антона Долин
Балет «Голубой экспресс» был посвящён миру европейской элиты Ривьеры: спорту, роскошным курортам, загару, теннису, яхтам и новой культуре отдыха. Уже сама тема была революционной для балета. Вместо сказочных восточных дворцов или мифологических сюжетов на сцене появились современные люди в купальниках и спортивной одежде.
Главной особенностью костюмов стало то, что Шанель практически отказалась от традиционного «театрального» подхода. Вместо тяжёлых декоративных нарядов она использовала настоящую современную одежду: -трикотажные костюмы -спортивные купальники -теннисные юбки -свободные жакеты -одежду в морском стиле.
1 — Лидия Соколова и Антон Долин в костюмах для балета «Голубой экспресс», 1924 г. 2 — Сценические костюмы, созданные Коко Шанель для балета «Голубой экспресс», 1924 г, Метрополитен-музей в Нью-Йорке
Ив Сен-Лоран
В 1970-е европейская мода переживала отход от строгого минимализма 1960-х. Дизайнеры снова начали искать вдохновение в исторических эпохах, театре, этнических культурах и декоративности. Для Сен Лорана «Русские сезоны» стали идеальным источником вдохновения. Коллекция «Opéra — Ballets russes» 1976 года стала одной из самых знаменитых работ Сен Лорана и одновременно — одним из самых ярких примеров того, как эстетика «Русских сезонов» продолжала влиять на европейскую моду спустя десятилетия после распада труппы.
Эскизы одежды из коллекции «Opéra-Ballets Russes», Yves Saint Laurent, 1976 г.
Основные визуальные особенности коллекции «Opera — Ballets russes»
Ведущие цвета: -насыщенный пурпурный -золотой -изумрудный -ярко-синий -малиновый -оранжевый -глубокий чёрный.
Коллекция «Opéra-Ballets Russes», Yves Saint Laurent, 1976 г.
Ткани, на которых строилась коллекция: -бархат -парча -атлас -мех -золотое шитье.
Коллекция «Opéra-Ballets Russes», Musée Yves Saint Laurent, Париж, 1976 г.
В коллекции появились следующие силуэты и элементы одежды: -кафтаны -казацкие жакеты -длинные юбки -широкие рукава -тюрбаны -пояса -многослойность.
Коллекция «Opéra-Ballets Russes», Musée Yves Saint Laurent, Париж, 1976 г.
Коллекция «Opéra-Ballets Russes», Musée Yves Saint Laurent, Париж, 1976 г.
Джон Гальяно для Диор
Кутюрный показ 1998 года был вдохновлен эстетикой начала XX века. Молодой дизайнер объединил в одном шоу ключевые, по своему мнению, символы, отражающие ту эпоху: «Русские сезоны» Сергея Дягилева, восточный декаданс Поля Пуаре и образ невероятной Маркизы Луизы Казати, итальянской аристократки, эпатирующей весь высший свет своими легендарными выходами со змеей вместо колье на шее или в сопровождении гепарда на бриллиантовом ошейнике. По мраморной лестнице Opé ra Garnier, где в начале столетия проходили знаменитые дягилевские балеты, шли femme fatale в театральных пальто с норковым мехом, драпированных платьях из золотого и серебряного шелка, вышитых стеклярусом и цветочными узорами.
Коллекция весна–лето 1998 для дома Диор, созданная Джоном Гальяно, считается одной из самых ярких интерпретаций эстетики «Русских сезонов» в моде конца XX века. Коллекция была создана в период, когда Гальяно только начинал свой путь в Диор. После назначения в 1996 году он стремился вернуть моде ощущение спектакля, роскоши и исторической фантазии. В этом он оказался удивительно близок к эстетике дягилевских постановок.
Коллекция сезона весна-лето 1998 г., John Galliano, La Galerie Dior, Париж
Для Гальяно подиум был не просто демонстрацией одежды, а спектаклем. Это напрямую наследовало идее Дягилева о синтезе искусств.
В основном коллекция строилась на -тяжелых золотых вышивках -тюрбанах и восточных головных уборах -многослойных шелках и шифоне -бархате, парче и расшитых жакетах -сочетании «царской» роскоши и балетной пластики.
Коллекция сезона весна-лето 1998 г., John Galliano, La Galerie Dior, Париж
Заключение
«Русские сезоны» Сергея Дягилева стали не только театральным, но и важнейшим культурным явлением XX века, изменившим визуальный язык европейского искусства и моды. Появившись в момент кризиса старых эстетических норм, они предложили Европе новый художественный язык — яркий, эмоциональный и синтетический, объединяющий музыку, танец, сценографию и костюм.
Важные роли сыграли работы Леона Бакста, Александра Бенуа и других художников, создавших эстетику насыщенного цвета, декоративности и пластики. Именно эти принципы позже нашли отражение в моде XX века — от реформаторских коллекций Поля Пуаре до работ Ива Сен-Лорана и Джона Гальяно для модного дома Диор.
Таким образом, «Русские сезоны» стали связующим звеном между театром и высокой модой, доказав, что костюм может быть не только частью сцены, но и самостоятельным художественным высказыванием.
Библиография
1.Дягилев. Генеральная репетиция https://my.tretyakov.ru/app/compilations/exhibitions/37128/?utm_source=lavrus&utm_medium=link&utm_campaign=lavrus1000 (дата обращения 09.05.2026).
2.Сергей Дягилев. «Русские сезоны» навсегда. Шенг Схейен
3.Статья Лев Бакст: «Одевайтесь, как цветок!». Елена Меркель / Электронный ресурс https://www.tg-m.ru/articles/4-2009-25/lev-bakst-odevaites-kak-tsvetok?ysclid=laaoyrr6wn551079792 (дата обращения 09.05.2026)
4.Chanel. Энциклопедия стиля. Жером Готье
5.Пуаре — король моды. С. А. Амелёхина
6.ВЛИЯНИЕ «РУССКИХ СЕЗОНОВ» И «РУССКИХ БАЛЕТОВ» ДЯГИЛЕВА НА МИРОВОЕ ИСКУССТВО XX ВЕКА И РАЗВИТИЕ СТИЛЯ АР ДЕКО https://cyberleninka.ru/article/n/vliyanie-russkih-sezonov-i-russkih-baletov-dyagileva-na-mirovoe-iskusstvo-xx-veka-i-razvitie-stilya-ar-deko (дата обращения 09.05.2026)
7.Русский след в моде: «Русские сезоны» и haute couture. Юлия Ишимова / Электронный ресурс https://magazine.grey-chic.com/grey-chic/haute_couture (дата обращения 09.05.2026)
8.Элегантность и роскошь ар деко. Институт костюма Киото, ювелирные дома Cartier и Van Сleef & Arpels. С. А. Амелёхина, Л. Н. Пешехонова
9.Статья Русские сезоны. Как покоряли мир отечественные танцовщики, художники и музыканты / Электронный ресурс https://www.culture.ru/s/russkie-sezony/?ysclid=mi61osmzzm441337056 (дата обращения 09.05.2026)
10.История моды: с 1850-х годов до наших дней / Дэниел Джеймс Коуд, Нэнси Дейл; [перевод с английского И. Крупичевой). — Москва: Эксмо, 2023. — 480 с. : ил. — (История моды в деталях).
11.«Nazdorovie!»: Мэган Виртанен о том, как западные дизайнеры путают Россию / Электронный ресурс https://www.sobaka.ru/fashion/stuff/60108 (дата обращения 09.05.2026)
- «РУССКИЙ СЛЕД ФРАНЦУЗСКОЙ МОДЫ. ПОЛЬ ПУАРЕ — РУССКИЕ СЕЗОНЫ, ИЗВОЗЧИКИ И СКАТЕРТИ» / Электронный ресурс https://belt-app.com/belt-magazine/xiyfpxcu71-russkii-sled-frantsuzskoi-modi-pol-puare (дата обращения 09.05.2026)
13.«Русские сезоны» высокой моды / Электронный ресурс https://balletmagazine.ru/ru/post/diaghilev-fashion (дата обращения 11.05.2026)
Источники изображений
1.https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Модный_курьер (дата обращения 09.05.2026)
2.https://archive.vogue.com/issues/1900 (дата обращения 09.05.2026)
3.https://www.themoscowtimes.com/2023/12/21/coco-chanels-russian-period-on-display-in-london-a83455 (дата обращения 09.05.2026)
4.https://artchive.ru/leonbakst/works/240477~Eskiz_kostjuma_beotijtsa_k_baletu_N_N_Cherepnina_Nartsiss (дата обращения 09.05.2026)
5.https://www.vogue.com/fashion-shows/spring-1998-couture/christian-dior (дата обращения 09.05.2026)
6.https://commons.wikimedia.org/wiki/File%3AScheherazade_by_L._Bakst_11.jpg (дата обращения 09.05.2026)
7.https://assets.vogue.com/photos/5891bbf27edfa70512d6668c/master/w_1600,c_limit/01-ballet-russe.jpg (дата обращения 09.05.2026)
8.https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Karsavina_and_Bolm_in_Thamar.JPG#mw-jump-to-license (дата обращения 09.05.2026)
9.https://artchive.ru/leonbakst/works?ysclid=mi7rp7ozrn297462482 (дата обращения 09.05.2026)
10.https://ria.ru/20100625/249512604.html (дата обращения 09.05.2026)
11.https://lamanova.com/16_poiret.html#node-6 (дата обращения 11.05.2026)
12.https://fr.wikipedia.org/wiki/Ballets_russes#/media/Fichier: Costume_of_Cleopatra_for_Ida_Rubinstain.jpg (дата обращения 11.05.2026)
13.https://www.livemaster.by/topic/3777676-article-parizh-byl-podlinno-pyan-bakstom-kak-russkij-hudozhnik-lev-bakst-poluchil-mirovoe-priznanie-v-mire-mody?&wf=&utm_referrer=https%3a%2f%2fhsedesign.com%2f (дата обращения 11.05.2026)
14.https://nlr.ru/nlr_visit/RA5596/novinki-eb-russkiy-balet (дата обращения 11.05.2026)
15.https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/c/c3/Nijinsky_-_Poster-2008-17-08.jpeg (дата обращения 11.05.2026)
16.https://www.metmuseum.org/art/collection/search/81560 (дата обращения 11.05.2026)
17.https://newtrendmx.wordpress.com/wp-content/uploads/2013/08/126_xl_ac09175.jpg (дата обращения 11.05.2026)
18.https://avatars.dzeninfra.ru/get-zen_doc/5231890/pub_60e20a9ef0ef7234413b4b08_60e2c36285b74724b4e6a1ed/scale_1200 (дата обращения 11.05.2026)
19.https://www.famsf.org/artworks/poster-for-diaghilevss-ballet-russe-at-the-valencia-theater (дата обращения 11.05.2026)
20.https://vintagevoyage.ru/blog/ysl-russkie-tsvety/ (дата обращения 11.05.2026)