Концепция
Женщины, которые перевернули искусство. «Амазонки авангарда» — это реальные женщины, которые шокировали и вдохновляли искусствоведов XX века. Они не просто были музами и помощницами великих мужчин, как это было принято раньше. Они сами были великими.
Однако сами художницы не состояли в одном объединении и никогда не определяли себя как амазонок. Они работали по отдельности и занимались разными направлениями. В первой половине XX века они работали в новаторских направлениях — абстракционизме, кубизме, примитивизме, футуризме и других.
Вера Пестель «Интерьер. Семья за столом»
Цепью визуального исследования является проведение комплексного визуального анализа произведений художниц русского авангарда первой трети XX века, для выявления специфики их вклада в развитие живописи, а также определить, как их гендерная идентичность и положение «женщин в искусстве» повлияли на формальные и смысловые особенности их художественного языка в сравнении с работами художников-мужчин того же круга.
Рубрикация
- Концепция
- Рубрикация
- Почему амазонки?
- Наталья Гончарова
- Любовь Попова
- Александра Экстер
- Ольга Розанова
- Варвара Степанова
- Надежда Удальцова
- Успех на Западе
- Другие «амазонки»
- Вывод
- Источники
Почему амазонки?
«Амазо́нки аванга́рда» — собирательное именование ведущих российских и советских художниц начала ХХ века, признанных мастеров авангардного направления русской живописи. В основном применяется к шести наиболее знаменитым художницам этого периода: Наталья Гончарова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Александра Экстер, Варвара Степанова, Надежда Удальцова, однако может употребляться более расширенно, для всех передовых художниц Российской империи и Советского союза 1900—1920-х годов.
Выставка «Амазонки Новой академии»
Выражение «амазонка» относительно русских художниц этого поколения заимствовано из мемуаров их современника, поэта и исследователя футуризма Бенедикта Лившица, который в своей книге 1933 года «Полутораглазый стрелец» написал о трех художницах — Гончаровой, Розановой и Экстер так:
Эти три замечательные женщины все время были передовой заставой русской живописи и вносили в окружавшую их среду тот воинственный пыл, без которого оказались бы немыслимы наши дальнейшие успехи. Этим настоящим амазонкам, скифским наездницам, прививка французской культуры сообщила только большую сопротивляемость западному «яду», и если ни одна из них не вырезала у себя правой груди, чтобы заменить её досекинской тубой, то удержали их от этого главным образом соображения эстетического порядка.
Наталья Гончарова 21 июня 1881 — 17 октября 1962
Наталия Гончарова родилась 21 июня 1881 года в отцовской усадьбе Ладыжино в Тульской губернии. Ее отец архитектор Сергей Гончаров, а мать дочь профессора Московской духовной академии Екатерина Беляева. Художница принадлежала к дворянскому роду, который происходил от калужского купца Афанасия Гончарова — основателя Полотняного Завода. А также приходилась правнучатой племянницей своей тезке Наталье Гончаровой — жене Александра Пушкина.
Наталья Гончарова «Весна. Петровский парк» 1909–1910 гг.
В 1891 году семья переехала в Москву, где Наталия Гончарова поступила в Четвертую женскую гимназию и закончила ее с серебряной медалью. Затем полгода она училась на историческом факультете Высших женских курсов и только потом осознала, что хочет стать художницей. В 1901 году Гончарова поступила в Московское училище живописи, ваяния и зодчества на скульптурное отделение в класс Павла Трубецкого.
Затем Гончарова увлеклась фовизмом. Она начала писать в примитивной манере, а также использовать в своих работах крестьянские мотивы и иконописные приемы. К этому времени относятся картины «Мать», «Хоровод» и «Уборка хлеба». Художница представляла их на выставках Московского товарищества художников, Осеннем салоне в Париже и в салонах журнала «Золотое руно».
Наталья Гончарова «Борцы» 1908–1909 гг. и «Хоровод» 1910 г.
Выставка открылась осенью 1913 года в московском «Художественном салоне» на Большой Дмитровке. Наталия Гончарова представила более 750 произведений, созданных за 13 лет. Зрителей поразило количество картин и стилей. На выставке были представлены и импрессионисткие пейзажи, и примитивистские картины на религиозные и крестьянские темы, и полотна в стилях кубизм, футуризм и лучизм.
Наталья Гончарова «Лев» 1911–1912 гг. и «Весна. Белые испанки» 1932 г.
В 1961 году Наталия Гончарова тяжело заболела и перестала выходить из квартиры. Скончалась она 17 октября 1962 года в Париже. Похоронили художницу на кладбище в Иври-сюр-Сен.
Любовь Попова 24 апреля 1889 — 25 мая 1924
Родилась в имении Красновидово в семье богатого предпринимателя. Первые уроки рисования брала у художника К. М. Орлова, который был другом её семьи. В 1906 году переехала в Москву, где получила среднее образование в гимназии С. А. Арсеньевой. В 1908 году брала частные уроки в художественной школе Константина Юона. В 1910 году Любовь Попова поехала в Италию, где брала частные уроки живописи.
Любовь Попова «Итальянский натюрморт. Скрипки и пушки» 1914 г. и «Живописная архитектоника. Красное с синим» 1918 г.
В 1912 году посетила Париж, занималась живописью у Ле Фоконье и Ж. Метценже. Попова увлеклась супрематизмом, стала членом группы Казимира Малевича «Супремус», вместе с другими художниками-супрематистами работала в селе Вербовке и Скопцы.
Принимала участие в выставке «5×5=25» в сентябре 1921 года. Кроме Поповой в выставке приняли участие Родченко, Варвара Степанова, Александр Веснин и Экстер. Каждый представил по 5 абстрактных работ. Под впечатлением от выставки художницу пригласил на работу в театр В. Мейерхольд.
Любовь Попова «Обложка ежемесячника музыкального искусства „Музыкальная правда“, Москва-Петроград, 1923 г. и Прозодежда актера № 3 1921 г.
Логичным в эволюции художницы стал этап, на котором она понимает, что социалистическое построение мира требует от художника отказа от чистой живописи и перехода к новому, производственному искусству.
«Нашей новой целью, — заявляла Попова, — является организация материальных средств жизни, то есть организация индустриального производства данной эпохи, и на эту область и должно быть направлено все активное художественное творчество».
23 мая 1924 года умер от скарлатины сын Поповой. Любовь Сергеевна умерла также от скарлатины 25 мая 1924 года в Москве. Похоронена на Ваганьковском кладбище.
В декабре того же года в Москве состоялась персональная выставка работ художницы, одного из ярких представителей русского авангарда в изобразительном искусстве.
19 декабря 2012 года в честь Поповой назван кратер на Меркурии.
Любовь Попова Художественное оформление спектакля «Земля дыбом» в театре Всеволода Мейерхольда, 1923 г.
Александра Экстер 18 января 1881 — 17 марта 1949
Александра Григорович родилась 18 января 1882 года в городе Белосток Гродненской губернии Российской империи (сейчас — Польша). Ее отец Александр Григорович служил крупным чиновником в губернском акцизном управлении, а мать была домохозяйкой.
Фамилию Экстер Александра Григорович взяла в 1903 году. Она вышла замуж за своего двоюродного брата — юриста Николая Экстера.
В конце XIX века семья переехала в Киев, так как туда пригласили на работу ее отца. Там она поступила в Киевскую министерскую женскую гимназию.
С детства Александра Экстер интересовалась искусством — ходила с родственниками в музеи и театры, мечтала стать художником и брала уроки живописи. В 1899 году она окончила гимназию и поступила в Киевскую художественную школу. В ней преподавали художники Николай Мурашко и Харитон Платонов.
«Город ночью» Александра Экстер 1913 г. и Эскиз костюма Саломеи 1917 г.
В 1910-х Экстер занялась кубизмом. Все предметы на своих картинах художница изображала при помощи геометрических фигур. Тела и лица людей на портретах она упрощала: например, женщин на картине «Три женские фигуры» Экстер изобразила схематично.
Александра Экстер «Три женские фигуры» 1910 г.
Также Экстер стала одним из членов объединения «Бубновый валет», которое организовали художники Аристарх Лентулов, Петр Кончаловский и Михаил Ларионов в декабре 1910 года. Они отрицали традиции реализма, экспериментировали с формой и композицией. На первой выставке группы в феврале 1912 года Экстер представила семь картин в стиле кубизма. А уже через месяц Экстер приехала с этими работами в Париж. Там их показали на выставке Общества независимых художников.
Эскиз костюма женщины в юбке с фижмами, Александра Экстер, 1924 г. и «Итальянский город у моря»
В 1918 году Экстер создала свою самую известную картину — масштабное полотно «Венеция». На ней художница изобразила архитектурные достопримечательности города: башни, арки и дворцы. На картине виден и лев святого Марка — символ Венеции.
Александра Экстер «Венеция» 1918 г.
В конце жизни художница поселилась в парижском пригороде Фонтене-о-Роз. Она почти не занималась творчеством и часто болела. Умерла Александра Экстер 17 марта 1949 года. Похоронили ее на местном кладбище.
Ольга Розанова 21 июня 1886 — 7 ноября 1918
Ольга Розанова родилась 22 июня 1886 года уездном городе Меленки Владимирской губернии. Отец Розановой — Владимир Яковлевич Розанов, уездный исправник, коллежский асессор, мать — Елизавета Васильевна Розанова, дочь священника. С 1896 года по 1904 год Ольга Розанова училась в женской гимназии, после окончания которой уехала в Москву, чтобы учиться живописи. С 1904 года по 1907 год Розанова училась в частном художественном училище живописи и скульптуры Анатолия Петровича Большакова. Ученические этюды этого периода относятся к наиболее ранним из известных работ Ольги. Их сохранилось мало, однако на её посмертной выставке в 1919 году они были представлены достаточно полно.
Ольга Розанова «Красный дом» 1910 г. и «Городской пейзаж» 1910 г.
В конце 1907 года Ольга Розанова поступила в Художественную школу К. Ф. Юона. По мнению Н. А. Гурьяновой, уроки в этой школе оказали наибольшее влияние на творческое становление Розановой. В 1912 году Розанова познакомилась с поэтами-футуристами Велимиром Хлебниковым и Алексеем Кручёных.
В творческом содружестве Кручёных и Розановой был создан уникальный стиль русской футуристической книги. В 1913–1914 годах они опубликовали книгу «Тэ ли лэ», используя технику цветного гектографирования. В 1915–1916 годах использовали в футуристической книге метод коллажа.
Ольга Розанова «Натюрморт с помидорами» 1910–1911 гг. и «Городской пейзаж» 1912 г.
В 1916 году Розанова присоединяется к обществу «Супремус», которое возглавлял Казимир Малевич. К этому времени её стиль развивался от кубизма и итальянского футуризма к чистой абстракции, в которой композиция создаётся визуальным весом и взаимосвязью цветов.
Ольга Розанова «Кузница» 1911–1912 гг.
7 ноября 1918 года Ольга Розанова умерла от дифтерита в Солдатёнковской больнице. Похоронена в Новодевичьем монастыре. Имя Розановой было присвоено Иваново-Вознесенской художественной школе.
Ольга Розанова «Автопортрет» 1912 г.
Варвара Степанова 9 октября 1894 — 20 мая 1958
Родилась в семье чиновника. В 1910–1913 годах училась в Казанской художественной школе, но, не окончив её, переехала в Москву. Тогда же она познакомилась со своим будущим мужем и соратником Александром Родченко.
В 1915–1917 годах занималась в студии К. Ф. Юона. В 1921 году принимала участие в выставке конструктивистов «5 × 5 = 25». В 1919–1922 годах работала в Коллегии по делам изобразительных искусств Наркомпроса, в 1920–1923 годах сотрудничала с Институтом художественной культуры, в 1920–1925 годах преподавала в студии «ИЗО» Академии коммунистического воспитания им. Н. К. Крупской, а в 1924–1925 годах — в Высших художественно-технических мастерских. В 1924–1925 годах сотрудничала с Первой ситценабивной фабрикой в качестве дизайнера.
Варвара Степанова. Рукописный плакат. 1919 г.
Участвовала в иллюстрировании книг, оформлении декораций для театра и кино, создании агитационно-политических альбомов.
Работала художественным редактором в журналах «Кинофот» (1922), «ЛЕФ», «Новый ЛЕФ» (1923—1927), «Советское кино», «Современная архитектура», «Смена», «Книга и революция» и др. (1926—1932), «Советская женщина» (1945—1946), в 1933–1934 годах — в Партиздате. Была членом «Объединения современных архитекторов» (ОСА).
Варвара Степанова «Танцующие фигуры на белом фоне» 1920 г.
Похоронена вместе с мужем на Новом Донском кладбище.
Варвара Степанова также разрабатывала производственную одежду для людей разных профессий: пожарных, пилотов, хирургов. Художница писала:
«В костюме, конструируемом как костюм сегодняшнего дня, выдвигается основной принцип: удобство и целесообразность. Нет костюма вообще, а есть костюм для какой-нибудь производственной функции. Путь оформления костюма — от задания к его материальному оформлению, от функций, которые должен выполнить костюм как прозодежда, как платье рабочего — к системе его покроя».
Принты для тканей, созданные Варварой Степановой.
Надежда Удальцова 10 января 1886 — 25 января 1961
Родилась в г. Орле в семье жандармского офицера Андрея Тимофеевича Прудковского.
В 1892 г. семья переехала в Москву, где продолжились домашние занятия рисованием. Последующие годы учёбы в гимназии Надежда Удальцова вспоминала критически: «Внешний суетливый мир пришёл вместе с гимназией. Ученье, подруги оторвали от искусства». В 1905 г. Удальцова с отличием окончила московскую женскую гимназию В. П. Гельбиг и поступила в частную художественную школу Константина Юона.
Александр Древин «Портрет Надежды Удальцовой» 1923 г. и Надежда Удальцова «Ресторан» 1915 г.
«В Париже я прожила около года, как зачарованная. Город в кубах домов своих и переплетениях виадуков, с дымами поездов, с аэропланами и дирижаблями в воздухе рисовался фантастическим живописным явлением подлинного искусства. Архитектура домов с их охристо-серебристым тоном воплощалась в кубистических построениях Пикассо. Были частые посещения Лувра; изучался Пуссен, Леонардо да Винчи, Микель-Анджело; посещения музея Клюни и цветные „витро“ объяснили мне великолепного Матисса».
В 1913 г. Удальцова вернулась в Москву и работала в мастерской Татлина. В 1914 г. впервые экспонировала одну из своих кубистических композиций на выставке общества «Бубновый валет», а весной 1915 г. в Петрограде участвовала в 1-й футуристической выставке картин «Трамвай В»: в числе 8 её картин одно из наиболее значительных произведений этого периода — «Ресторан» (1915), которое наполнено парижскими воспоминаниями и передает таинственную, полную суеты, жизнь ночного ресторана.
Надежда Удальцова «Синий кувшин» 1915 г. и «Автопортрет с палитрой» 1915 г.
В 1927–1931 гг. Удальцова была действительным членом Общества московских художников, в 1928 г. её работы экспонировались на 1-й выставке Общества, в 1931 г. они с Александром Древиным вошли в состав участников выставки «Тринадцать».
В 1930 г. закрытие Вхутемаса-Вхутеина отстранило Удальцову и Древина от преподавания и значительно ухудшило материальное положение семьи. В 1936 г. во время очередной кампании борьбы с формализмом многие видные художники были вынуждены публично каяться и заявлять о своем разрыве с формализмом.
Надежда Удальцова «Кубистическая композиция» 1915 г. и «Живописное построение» 1916 г.
В 1946 г. художницу награждают медалью «За доблестный труд в Великой Отечественной войне 1941–1945 гг.» Однако в 1948 г. искусство Удальцовой снова стало объектом гонений борьбы с «формализмом и преклонением перед Западом», за этим последовали тяжёлые болезни.
В 1958 г. её работы вновь экспонировались на одной из групповых выставок, после многих лет молчания в газете «Московский художник» появилась статья, отдающая заслуженную дань её живописи. В начале января 1961 г. нежданным «торжеством обернулось семидесятилетие Удальцовой. 25 января её не стало. Ее похоронили на Новодевичьем кладбище.
Надежда Удальцова «Кухня» 1915 г.
Успех амазонок на Западе
Творчество авангардисток в СССР было под запретом, а на Западе их заметили только в 1980-х, когда феминизм набирал популярность. Выставка «Амазонки авангарда» в 1999 году, организованная музеем Гуггенхайма, произвела настоящий ажиотаж. Работы русских художниц привлекли более миллиона зрителей по всему миру!
Впервые за всю историю существования Фонда Гуггенхайма одну и ту же выставку последовательно показали во всех его зданиях в разных странах.
Идея проекта, по одним сведениям, принадлежала Николасу Ильину, представителю Фонда Гуггенхайма в Европе, по другим — Трегуловой, вынашивавшей её много лет. Проект готовился пять лет. Кураторами выступали Джон Боулт, Мэтью Дратт и, с российской стороны — Зельфира Трегулова.
«Мы тоже этой выставкой хотели как-то изолировать этих художниц от революции. Обычно, особенно на Западе, есть какая-то автоматическая ассоциация — „авангард, значит, Октябрьская революция“. (…) А во-вторых, если мы посмотрим на Европу или Америку — на художественное искусство начала века в этих странах, то мы не увидим аналогичных групп женщин — только в России действительно были такие сильные и удивительные женщины»
Другие «амазонки»
Гуггенхайма стоит поблагодарить за то, что мир узнал о шести великих русских художницах. Но вот в чем проблема: многие их современницы так и остались в тени. Никто теперь не помнит, что Вера Мухина начинала как авангардистка. Мало кто знает Нину Генке, Ксению Богуславскую, сестер Синяковых, Веру Пестель, Екатерину Зернову, Веру Ермолаеву, Анну Лепорскую и многих других. Выставка «Амазонки авангарда» сосредоточила внимание только на самых известных, и теперь все помнят, что в русском авангарде были великие художницы… но в основном это Гончарова, Розанова, Экстер, Попова, Степанова и Удальцова.
Почтовые марки СССР
Ксения Богуславская «Беспредметная композиция» 1913–1914 гг. и Нина Генке «Супрематическая композиция» 1915 г.
Екатерина Зернова «Передача танков» 1931 г. и Вера Ермолаева «Натурщик» 1926 г.
Вывод
Сегодня амазонки авангарда — это не просто часть истории искусства, а настоящие символы экспериментов. Они доказали, что женщинам не нужно чье-то разрешение, чтобы творить.
Гончарова, Попова, Розанова и другие не повторяли мужские идеи, а придумали свой собственный визуальный язык. Если мужчины часто уходили в холодную геометрию, то женщины сделали ставку на цвет, движение и живую фактуру. Их работы более энергичные, шумные и чувственные. «Амазонки авангарда» — это не тень великих мужчин, а вторая, равная по силе половина русского авангарда. Они принесли туда цвет, тепло, фактуру и заботу о практической жизни, без которых авангард остался бы просто красивой, но мертвой геометрической схемой.
